Jon McKenzie: “The Revelations of Dr. Kx4l3ndj3r”
This event mixes gay science with space age sci-fi to explore three axes of experimental research into disaster writ small and cosmic: 1) How to Do Things with Worlds and other recent work by Ralo Mayer, a contemporary Austrian artist; 2. the final seven chapters of McKenzie’s Perform or Else; and 3. two short passages from Nietzsche’s Nachlass. The presentation channels Dr. Kxalendjer, a time-traveling character from Marcio Souza’s novel O Fim do Terceiro Mundo, and reanimates him to challenge our all-too-modern truth paradigms of correspondence and adequation (eg. realism and constructivism) via disastronautic techniques patched in from Borges’ aleph and Benjamin’s angel of history. The lecture performance oscillates between spectacle machine and ideation machine.

Dorita Hannah: “Performing Barricades & Technologies of Resistance”
Since 9/11, a constructed ‘war on terror’ has purposefully curtailed our freedom of movement and expression in the very name of ‘freedom’, with designers more actively complicit in silently and subtly conditioning the competence and performance of the subject in public space.  However this barricade mentality need not involve the overt gestures of fortification currently enacted by those who are called upon to shore up the borders. More ephemeral barriers surround and condition us.This paper considers how transient architectures of control provide the possibility for resistance through a performance lens that focuses on the relationship between built space, technology and the event. Positing the barricade as an architectural and social formation, I reflect on its shifting political implication as a contested site of performative activist engagement, positing ‘weak architecture’ as a performative sociopolitical strategy.

Charles Renfro (DS+R): “Theat-ecture
Architecture: weather protector, activity organizer, image-maker. Permanent, inert, neutral.  Earnest, Optimistic, futuristic. General, Embedded, Necessary. Theater: Temporal, provocative, engaging. Spectacular, Transportive, critical, magical.  Specific, Removed, Discretionary.
Theat-ecture: The reconciliation between the theater with its darkened spaces and fixed spectators and architecture with its roving users and open engagement has been a preoccupation in the work of Diller Scofidio + Renfro for years. Not content with architecture as a neutral vessel or image machine, DS+R have tried to slide architecture into a more performative role, bridging the seemingly impossible gap between the two modes of cultural production, integrating low tech bricks and mortar with high tech media technology to help blur the distinction between the two. Our work seeks not only to satisfy the functional needs of building, but to deliver layers of experience more closely associated with theater: temporality, spectacularity, introspection, surprise, engagement and magic. It contains a voice, soft but accessible to multiple audiences simultaneously. It curates and orchestrates, turning the built environment into a character in life’s unfolding play. Visitors become actors, completing instant and self-constructed narratives of interaction.  Essential uses become ephemeral experiences, strangers become intimates, contact is made.

Maaike Bleeker: “Dancing Data”
Synchronous Objects (http://synchronousobjects.osu.edu/) is a web based project that consists of a series of 20 data visualizations of aspects of the choreographic structure of one single choreography by William Forsythe titled One Flat Thing Reproduced. The project demonstrates how different visualization technologies challenge forth the choreographic structure of Forsythe’s creation in radically different ways and thus allow for the dance to be known in completely different ways. In my presentation, I take Synchronous Objects as my theoretical object to explore the implications of a proposition by N. Katherine Hayles stating that: “even though information provides the basis for much of contemporary society, it is never present in itself.” Hayles proposition is part of a text in which she elaborates how new information technologies mediate in a shift from presence and absence towards pattern and randomness as parameters defining what appears as information and what not. The effect of these transformations is to create a highly heterogeneous and fissured space in which discursive formations based on pattern and randomness jostle and compete with formations based on presence and absence. In this situation, one might argue, information becomes a choreographical object emerging at the point of encounter between technological performance and the performance of perception.

Marin Blazevic Shifting Clusters: “Fluid States: Performances of Knowing”
FIRST PRESENTATION OF THE PERFORMANCE STUDIES international 2015 PROJECT PROPOSAL AND DISCUSSION. PSi International Committee is presenting a proposal for dispersed conference project that intends to resist regimes of PSi’s existing geography. Instead of establishing or reinforcing knowledge systems, Fluid States : Performances of Knowing will emphasize the core challenge of our research, which is embodied through performative flows in place of a disciplinary (or even interdisciplinary) field. During 2015 the project is planned to take place in ideally 12 localities. More than just a series of conferences the PSi 2015 is envisaged as a manifold artistic and scholarly project that, in facing horizons of the unknown, explores and interconnects emerging atolls of performance research in order to recognize and accept their contingent, transitory and transformative ecologies. The project proposal and its dramaturgy (Shifting Clusters) will be presented by Marin Blažević, Chair of the PSi International Committee, in collaboration with Dorita Hannah and Nicolas Salazar-Sutil, members of the PSi 2015Preparatory Committee. The project presentation will be followed by discussion.

Johannes Birringer:  “Sound Choreographies and Performance Wearables”
Although interest in wearable/mobile technologies in today’s world of social networks is increasing, the performing arts rarely integrate body-worn technologies into their dramaturgies. After some pioneering efforts in music and audio art, dance/ theatre practices now begin to rediscover performance design (a hundred years after constructivist & Bauhaus experiments) with “sounding” choreographies and gestural languages that extend the theatre as an instrument, briefly refering to recent choreographic installations by the DAP-Lab, Birringer will discuss his sound-motion-design research.

Edward Scheer: “Stelarc’s analogic assault on bodily design parameters”
Professor Scheer will be revisiting work he explored in his edited book ‘Technologies of Magic’ (2006) in order to discuss the work of Australian performance artist Stelarc, especially his well-known suspension works of the 70s and 80s. This micro-lecture will also raise questions about connections and disconnections between the digital age in Stelarc’s relentlessly analogic assault on the body’s design parameters.

Olav Harlsof: “Space as Provocation”
The traditional arenas for performances are the theatre, the concert hall, the variety stage, the circus, the museum, the amusement park and the market square. In recent decades site-specific performances have been staged in closed-down factories, railway depots, docks, meat and vegetable markets, breweries, warehouses and in military barracks – in what could be called, taken as a whole, the graveyards of industrialism. Here a dramatic performance or a concert is ascribed specific aesthetic values by the interaction with spaces that have provided the physical framework for the work functions and social relations of days gone by.

But a performance can also be staged and realised in spite of or as a paradox. The selected ‘site’ may denounce or protest against the content and message of the performance. Or the performance may act as an exposure of or provocation to the site. The advertising industry has developed a preference for historical sites as backdrops for the presentation of, for instance, ladies underwear.

Today a provocative space for a performance could be a town hit by an earthquake, a war zone, a district known for the conspicuous presence of ‘trafficked’ women, the headquarters of a news medium, or a pig breeding factory.

The provocative space is the site that ascribes to the performative expression a paradoxical aesthetic, political and ideological meaning that is not resolved or homogenised in the conscious reflection of the audience, nor in their recollection of the event.

In recent years the political performance has turned to the communicative platform, especially the city square that can be entered and exited by many paths and which can be covered by the media from surrounding buildings and from the air. In addition, the individual can disappear in a crowd of thousands that can both be directed from the square and be visible in the media. One element vital to the success of the enterprise is the use of (and thus access to power for) electronic media (especially smartphones). The tent is a decisive symbol and function alike: signalling the media and the audience, while facilitating overnight accommodation, catering and communication (including power supply).

Examples could be: Tahrir Square, Cairo, February 2011, San Jose Mine, Chile, October 2010, Berlin Wall, November1989, Occupy Wall Street, 17 September 2011, Puerta del Sol Square, Madrid, May 201.

Here provocation is manifested as performance space for participants, demonstrators and occupiers, while performance space as provocation is a provocation for authorities and those in power.

Judith Schwarzbart: “Performative exhibition and its different modes of experience”
The avant-gardes of the late 60s and 70s challenged many conventions associated with the (classical) modernist art exhibition such as: a static timeless display of autonomous objects, the spectator as a disembodied visual receptor, and the personal experience emphasizing the individual and never the social. The avant-gardes have not, however, let to the disappearance of a modernist exhibition format but to a proliferation of formats including some that are more performative in its character, which means: more dynamic, developing over time, with a higher degree of bodily and discursive exchange, and, in some senses more social and contingent. My paper will discuss the performative exhibitions today. With departure in a recent presentation of Antonio Dias’s work Do it yourself: freedom territory (1968) at Istanbul Biennale, 2011, and a number of other examples I will address possible clashes between different modes of experience, on the one hand, and the social potential in a performative approach to the art exhibition on the other. What are the consequences of decided curatorial presentational formats? When does the format work along or even amplify the artwork, and when does it counteract or directly destroy the intentions of the artistic gesture?

Performance theory provides us with useful tools to read these performative aspects of exhibitions beyond the performance it self. In her aesthetics of the performative, the theatre scholar Erika Fischer-Lichte shows how experimental performances have challenged binaries such as aesthetics – politics/ethics, art – life, symbol – signified, body – mind etc. Through this complex play between ‘former binaries’ – that might now exist concurrent or fully collapse – we can rethink categories like work, audience and space once again.

Kristine Samson: “Urban performances: Distortions of space and intensifications of human relations
Through three different urban performances, the paper investigates how, when and under which circumstances urban space is transformed and distorted from its every day use and power relations.
Distortion is an annual street festival in Copenhagen with the objective to distort the functional city. By showing instant intensification of space, I exemplify how affective relations are established and how public (and the Nordic idea of public) space temporarily turns into an affective space of encounters and intensive relations.
Tyler Ashley’s dance performance Half-Mythical, half Legendary Americanism on the High Line, New York during Performa 2011. With the dance performance I want to illustrate how the bio political shaping of the body becomes intensified and transformed during the performance. Ashley does not only choreograph the individual body and the body of the passive spectator, he also create an intensive space for the empowerment and liberation of the body.
Occupy Wall street and its action in the autumn 2001 is the ultimate example of how urban political performances intensifies and transform every day spaces. Through examples of how OWS tactically appropriates and transforms urban space, I seek to show how representational space, for instance the public square, is transformed and distorted by heterogeneous and unforeseen modes of operating.
Despite differing in their goal and outset, I wish to unfold a potential for an alternative to urban transformation ideals in planning and architecture. Whereas urban planners and architects worldwide call for user participation governed by the authorities, these urban performances act. On the backdrop of their acting out of ideas in public, I propose a potential for urban development taking urban social diversity as it is lived in the city as its point of departure.

Jason Nelson: Jason Nelson’s Digital Poetry Magic Show”
Describing one’s work as ‘Digital Poetry’ is often met with puzzled far-away stares. Despite my work reaching millions around the net, from Spain to Hong Kong, from Russia to Peru, Digital Poetry as a literary, artistic and performative endeavor continues to be mysterious. My brand of creation is both highly interactive and inherently multi-media, multi-linear. All the elements, the interface, sounds, movement, responsiveness, words, images (and on and on) are critical texts, vital components of the digital poetic experience on the screen. The users/readers of my work then become part author/creator, they must perform the work, navigate a game environment or press and move and choose their pathway through the poems. I will be exploring this notion of interactive poem as user-performance space through the examination of and playing with various of my poetic interfaces. And aside from the work itself, I’ll be discussing how many digital poets intervene into existing texts, breaking, reusing/remixing existing digital content, to dance (in an abstract sense) with other’s words and ideas. Specifically, I’ve created a  new digital poem using the texts and images from the conference portal, pulling apart the static words and coaxing them into strange playthings, a digiscape for the dynamic performance of the screen.

Marlon Barrios Solana: Movement in the cloud: embodied, networked and…out of control (case dance-tech.tv and .net)”
Marlon Barrios Solano is the creator and producer of dance-tech.net, dance-tech.TV, the dance-tech interviews and other online curatorial projects.  He shares his vision and experiences on the development of these platforms as a sustainable model of production, exchange and distribution of knowledge on contemporary interdisciplinary performance practices.  dance-tech.net, .TV and .net emerged as a networked educational collaborative projects exploring online technologies and the boundaries between bodies, countries, disciplines and organizations.  Bottom-up architectures of the new internet allow new  collaborative  social dynamics   with new hybrid open spaces for knowledge sharing, coordination of action, and social innovation.

María José Cifuentes: “Grupo de investigación ARTEA, nuevas propuestas de investigación-creación”
Revisión sobre los proyectos de investigación realizados por el grupo de investigación español ARTEA, durante estos últimos años.

ARTEA es un grupo de investigación y una asociación independiente vinculada a través de sus miembros a diferentes Universidades y Centros de Investigación. Artea es un grupo de investigadores que considera que la investigación académica es indisociable de la investigación creativa, de ahí nuestro empeño en construir espacios de diálogo, colaboración y de intercambio entre historiadores, artistas y teóricos. La generación de estos espacios, sean permanentes, efímeros o virtuales, es nuestro principal objetivo. (www.arte-a.org)


Isabel Troncoso: “El Guión, el Cine y la Arquitectura: la delgada línea entre la realidad y la ficción”
El espacio real y el espacio de ficción hacen diégesis o se anulan. Espacios que significan, o espacios como simples bambalinas. Los guionistas y los arquitectos desarrollan ideas, las hacen relato y las mismas se proyectan en el espacio fílmico o real. En ambas instancias las personas o personajes se sienten protagonistas de una historia. ¿Hay una buena historia en la arquitectura? ¿Hay una buena historia en los guiones? ¿Ambas fuentes y mapas de proyección, son capaces de otorgar un relato, una historia, un sentido con significado?

Andrés Grumann: “Producción de contactos: la inmersión en la materialidad instalada”
Descriptor: La inmersión estética de las prácticas artísticas de las últimas décadas han instalado una necesidad por el contacto a través de la producción de situaciones liminales que tienden a romper tanto los cánones disciplinares como las diversas estrategias de escenificación artística. El objetivo de la ponencia es dar cuenta de estas transformaciones estableciendo un recorrido por formas artísticas internacionales y nacionales que materializan la producción de con-tactos a través de la escenificación de experiencias y modos de percepción.

Raúl Miranda: “La Escena Trans en Minimale o del Texto Dramático al Hipermedio”
Minimale es una agrupación transitoria de teoría y praxis escénica, que desde el año 2000 ha establecido un diálogo entre el teatro, la plástica y lo audiovisual, acercando los lenguajes teatrales a los conceptuales de las artes visuales, en montajes de carácter transmedial y de cine vivo, en donde texto dramático deviene en una lógica de hipermedio en la conformación de la  escénico. Es así, que el proyecto Minimale se estructura sobre el registro de la obra o la imagen y la palabra editada en vivo, como resultado del proceso de montaje, donde la asimilación de conceptos y deconstrucción de condicionamientos permite interpelar al espectador como usuario activo del espacio performativo

Autor, Director, Escenógrafo, Académico e Investigador Teatral

Estudia en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile las menciones de Diseño Teatral y Grabado. Como Diseñador ha participado en más de 50 montajes teatrales. Ha publicado el libro de investigación y teoría escénica “Mutaciones Escénicas: Postproducción, Mediamorfosis y Transmedialidad en el Teatro Chileno Contemporáneo” (2009) y diversos ensayos teóricos en las revistas de investigación teatral “Teatre” de la U.Finis Terrae y  en la revista norteamericana “Gestos”.

En 1999 funda la agrupación Minimale, ampliando su registro creador hacia la Dirección, la Teoría Teatral y la Dramaturgia, estrenando a la fecha 12 proyectos escénicos. Su trabajo en Minimale se ha caracterizado por realizar sus puestas en escena en el Salón Blanco del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile (Mnba), situando en el medio teatral chileno los conceptos de “Instalación escénica”, “Postproducción”, “Mediamorfosis” y “Transmedialidad”, logrando acercar los lenguajes y problemáticas teatrales a los de la plástica contemporánea y posicionando desde el teatro una mirada crítica sobre las transformaciones sociales generadas por el desarrollo de la tecnociencia, la globalización y el capitalismo tardío.

Mariela Vilos + Luis Felipe Ramirez: El ágora contemporáneo; desde la plaza pública a las redes sociales.
Se propondrá la teoría de la carencia del “ágora” física en las sociedades contemporáneas, la que se ha sustituido por una sociedad opinante virtual. Donde los inmigrantes y nativos digitales han encontrado un real espacio de debate frente a los conflictos políticos, sociales, económicos y culturales, quienes buscan modificar su entorno macro y micro a partir del rechazo a las tradiciones establecidas por quienes ostentan el control y el orden territorial, político y social.

Este nuevo entorno virtual, ha sido concebido frente a la carencia de espacios de comunicación participativa y espacios físicos tradicionales, en la sociedad contemporánea, los que en las últimas décadas han generado brechas entre clases, géneros, disciplinas, etc. Lo anterior a provocado la concepción de realidades paralelas, personajes, creados para estas nuevas “polis”, dentro de las que se asumen códigos y normas de autorregulación  que hasta ahora han permitido mover el statu quo de los ciudadanos dejando atrás la inercia de las últimas décadas y creando nuevos espacios cambiantes globales y locales.

Este espacio de comunicación ha roto las barreras geográficas, dado que ya no existen fronteras físicas ni de lenguajes, a partir de códigos y metalenguajes propios de las diferentes plataformas tecnológicas imperantes, las que han sido dominadas por la cada vez más inconformista forma de aceptar la sociedad, sus reglas y convenciones por parte de las nuevas generaciones, implicando la reconversión hacia estos soportes de los líderes sociales y políticos, como una forma de sintonizar y participar de estos nuevos espacios de debate de esta nueva clase de ciudadanos, que han impulsado cambios históricos, modificando el devenir de sociedades y países en el mundo.
Esta nueva plaza pública, ya no es posible construirla sobre la materialidad de los espacios tradicionalmente construidos para ese fin, hoy las plataformas digitales trasladan este lugar a plataformas móviles, portátiles e intangibles como la nube u otros nuevos espacios surgidos sobre la base de los avances tecnológicos y la web.
Daniel Cruz: TINKU[1] / Acciones Responsivas
Nuestra historia prehispánica propone diversos modelos de acción frente al encuentro afectivo y ritual, donde el juego configura un espacio de especulación, una posibilidad, un lugar de lo incierto cuyos componentes nacen de mecanismos que incorporan el control del territorio, la estrategia, la diplomacia, lo aleatorio y otros elementos que en algunos casos se transforman en metáforas vivas de nuestro acontecer contemporáneo. Habitamos una plataforma modal en que el juego está presente y donde la trinchera del Arte debiera ser el espacio de mayor especulación.

La presentación considera un análisis del cómo los medios y tecnologías de la comunicación nos proponen un nuevo territorio, tanto público como privado, con nuevas claves de acción y reacción al espacio digital, provocándonos hacia una oscilación entre la ficción y realidad donde el encuentro ya no es necesariamente físico y el avatar constituye un nuevo análogo.

Finalmente se exhibirá una serie de proyectos del autor para evidenciar la resistencia del Arte.
[1] El Tinku es un ritual que se desarrolla en Bolivia. El significado de la palabra Tinku en quechua es “encuentro” y en aymara significa “ataque físico”.

BIO / Daniel CruzArtista visual, Magíster en Artes de la Universidad de Chile. Certificate de Harvestworks, Digital Media Arts Center, New York U.S.A..Académico asistente de la Universidad de Chile. Desarrolla docencia, investigación y creación artística a partir de proyectos individuales y/o colectivos. Sus proyectos se emplazan en diversos espacios; galerías, museos, espacio público e ínternet. Estos involucran tecnologías de registro, reproducción y sampleo, explorando las distancias y límites existentes entre acción, cuerpo, paisaje, juego y arte.Socio fundador de Duplo.cl, espacio que promueve la difusión y generación de contenidos en Arte y Tecnologías Interactivas.

Agustín Quiroga
La globalización ha visto de alguna forma a las grandes ciudades entrar en un competencia constante por la supremacía cultural, creativa y comercial. El rol de la digitalización en el sigo XXI a sido fundamental para el desarrollo de las grandes ciudades. Podemos decir de alguna forma, que los edificios, los espacios públicos,  el transporte público y los parques necesitan de  procesos de renovación que incluyan la activación de estos espacios mediante componentes que sean capaces, por una parte, de cautivar y activar. Bajo estas primicias se indagará en cómo las nuevas tecnologías multimediales de hoy en día pueden generar nuevas formas de  pensar, habitar y diseñar el espacio, y en consecuencia generar nuevos lenguajes,  plataformas de comunicación e interacción.

La presentación considerará una primera reflexión acerca del contexto urbano en el cual estamos inmersos, y como las nuevas tecnologías inciden en la forma de como nos comunicamos e interactuamos en él, además de entregar una visión respecto al uso masivo de componentes digitales en el ámbito del diseño. Posteriormente, se hará referencia a través de un marco de situaciones de cómo estas tecnologías pueden ocuparse en distintos campos de acción con el fin de dar cuenta de la importancia del trabajo transdisciplinar  y de  cómo los arquitectos, diseñadores, planificadores urbanos y comunicadores, debemos ser capaces de ocupar las tecnologías como herramientas de comunicación, transformación y activación de manera de enriquecer el espacio y la forma de como nos relacionamos en ellos.

Mediante la presentación se tratará de dar atisbos  a ciertos tópicos que plantea el encuentro como por ejemplo ¿Por qué nuevas tecnologías? ¿Cómo establecer nuevas formas de comunicación a través de tecnologías  que permitan la interacción en un espacio físico? ¿Cómo integrar coherentemente las tecnologías de manera que respondan a un contexto específico en términos formales y de contenido?

Finalmente se realizara una breve presentación de la oficina MAA, su metodología de trabajo,  y se mostrarán algunos proyectos de interés según las temáticas ya expuestas.

BIO / Agustín Quiroga Arquitecto. Fundador, Dir. General  y Dir. Creativo  del estudio MAA Arquitectura  Diseño  Comunicación, donde desarrolla proyectos en el ámbito del diseño corporativo, comercial,  de puestas en escena, museográfico y exhibiciones. Docente de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Artes UNIACC y Universidad Andrés Bello donde realiza los cursos de Aplicación de nuevas tecnologías en el diseño de experiencias  y Arquitectura Mediática. Sus intereses profesionales  se enmarcan dentro de los campos de la arquitectura, arte, diseño, iluminación, multimedia, museografía, escenografía y performance.

Andrea Josch: “La imagen y su gesto performatico para reflexionar sobre el diseño del espacio o el espacio del diseño.”
Cuando nos invitaron a esta mesa se nos pidió que consideráramos ideas de CONTACTO, en el sentido de reflexionar en torno al uso de nuevos medios tecnológicos que nos permiten percibir, ver, entender, vivir y compartir los lugares del mundo cotidiano. Desde mi expertiz, la visualidad arraigada en imágenes fijas, el tema se vuelve interesante, pues ya no hablamos solo  desde la praxis y aplicación, de la utilidad (sea estética o funcional) del uso de estos avances tecnológicos, sino de cómo nosotros percibimos lo cotidiano – lo real – lo ficticio de la cotidianidad a través de miles de imágenes que inundan nuestro entorno, nuestro contexto, nuestro habitar.

Es cierto que el concepto de diseño ha avanzado a pasos gigantescos en el transcurso del último siglo, también es cierto que la tecnología y su incorporación en soluciones urgentes, como por ejemplo  sistemas de reciclaje, auto sustentabilidad, tecnologías renovables,  diseños comprometidos – ideológicos han impulsado el ingreso a  un territorio de reconocimiento de lo local, globalizando ciertos temas contingentes.

Y, por otro lado, las relaciones humanas – todas ellas – son de cierta manera performáticas, pues estamos “configurados” socialmente para actuar, decir, vestir, interactuar, movilizarnos bajo parámetros diversos y muchas veces disonantes, según las circunstancias. Somos performance! Somos imagen!

Licenciada en Comunicación, fotógrafa, gestora del colectivo La Nave (1998/2003) y de la editorial Ojozurdo (2003/2009), curadora de galería AFA (2005/20008). Entre 1996 y 2006 fotógrafa editorial y de publicidad. Desde 2006 directora de la carrera de Artes Visuales de la Universidad UNIACC. Directora de la Sociedad Chilena de Fotografía (2005/2007,2009/2011), ha obtenido en cuatro ocasiones la Beca a la Creación FONDART y en 2004 la beca Fundación Andes. Ha participado desde 1994 en innumerables muestras colectivas e individuales, tanto en Chile como en el extranjero y realizado publicaciones  sobre fotografía chilena contemporánea. Editora en jefe de la Revista Sudamericana Sueño de la Razón http://www.suenodelarazon.org

Patricio Vogel
Vogel (Santiago, 1971) / CHILE

Vive y trabaja en Santiago de Chile. Artista Visual; Licenciado en Artes con mención en Pintura y Magíster en Artes Visuales, Universidad de Chile. Ha recibido en tres oportunidades el financiamiento del FONDART (1998-2000-2004), Fundación Andes (2005), Corporación Chile Video (1997) y Identitat Barcelona (2001). Ha ganado en una ocasión el concurso de Ate público organizado por el MOP (2003). Ha expuesto de forma individual en varias ocasiones destacándose: Terrain Vague (2008) Galería Garage, Valparaíso, Chile; El Espacio de lo Posible (2007) Galería AFA, Santiago de Chile; Sale, Art Basel Miami, Estados Unidos; Patricia la Fascinación por el Decoro Epidérmico; Fulbelt Archivo Plataforma, Galería Gabriela Mistral (2005), Territorio Cifrado (2001), intervención en el Palacio de la Moneda, Santiago de Chile. Con una exposición Bipersonal junto Pablo Núñez, Vano Afán de Sobrevivencia, Galería Florencia Loewenthal, Santiago de Chile (2009). Además ha participado en exhibiciones colectivas en Chile, España, Francia, Grecia, Nueva Zelandia, Perú y Colombia. Destacando las últimas: El Miembro Fantasma (2012) Open Show Studio, Atenas Grecia; Informe País (2011) Sala de Artes Visuales GAM, Santiago de Chile; Chilensis (2010) Centro Cultural Palacio de la Moneda, Santiago de Chile; Ficción Fricción (2007) Galería Sextante Bogota Colombia; Traveling Tales (2005) Artoi Museum in Masterton Nueva Zelandia; Cuatrienal de Arte Artiade (2004) Atenas Grecia; entre otras.

Sus obras han sido publicadas en: Libro de Arte Contemporáneo  10 años Galería Balmaceda 2009, Libro catálogo galería AFA 2007, Catálogo Paisaje, figura humana. bodegón, una revisión a la fotografía Contemporánea 2006. Catálogo Gabriela Mistral Fulbelt, archivo Plataforma 2005. Revista de Arte PHN, Barcelona España, 2003, Libro de Arte Contemporáneo, Frutos del País 2003, Identitat publicación de arte público Barcelona España 2002 entre otras.

Pablo Brugnoli

Paula Aros: Entelequia
El primer espacio que habita todo ser humano es el mismo. El primer espacio que habita un ser humano es siempre un cuerpo, un órgano muscular. La primera arquitectura que habita un ser humano es hueca, y tiene forma de pera. El primer contacto que establece un ser humano con otro ser humano es siempre con la misma persona y a través del mismo medio. ¿Existe la memoria intrauterina? ¿Cómo fue nuestra estadía en ese medio acuático? Estas son algunas de las preguntas que se abordan en Entelequia, performance biográfica basada en un proceso de embarazo que revive un momento donde el afuera y el adentro se incorporan para generar un espacio desconocido y misterioso. Al igual que todos los trabajos de la artista, en Entelequia la audiencia es acogida e  invitada a ser parte de una experiencia que los involucra como testigos activos.
Texto e interpretación. Paula Aros Gho
Música y sonidos. Rodrigo Aros Gho
Asistencia. Daniela Jofré

Licenciada en Actuación en el Departamento de Teatro de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile y Master en Devised Theatre en Dartington College of Arts, Inglaterra. Desde su egreso en el año 2002 Paula se ha dedicado a la dirección, actuación, docencia, y dramaturgia teatral en distintas instancias e instituciones. En el año 2002 fundó la la compañía Teatrofónico (2002-2006) dirigiendo las obras Dr. Mortis (Fondart), 7 Pecados y Quijote. Como dramaturga, colaboró en la escritura de la obra Maleza dirigida por Muriel Miranda (donde también se desempeña como actriz), escribió un texto para el proyecto multicultural Time de la compañía Danesa Teatre Kunst, y reescribió en décimas el clásico Fuenteovejuna, proyecto teatral creado en colaboración con Héctor Noguera, el cual también dirigió. Desde el año 2007 conforma junto a Trinidad Piriz el colectivo laura&marta con quien a cabo los trabajos escénicos Home, estrenado en Inglaterra en Dartington Collage of Arts, Asamblea, MiFaMiLa (Fondart), el video performance Manual Buterfly y la performance en vivo Once, éste último creado especialmente para SCL 2110, arte, arquitectura y performance. Como docente se desempeña en el ámbito de la actuación bajo la mirada de la escena contemporánea en la Universidad de Chile, y ha llevado a cabo diversos cursos y dos montajes de egreso en otras universidades. Sus proyectos siempre se han definido por la exploración de nuevas metodologías y formatos escénicos, tales como el diálogo directo con la audiencia, la exploración en el radioteatro, el cruce entre lenguajes audiovisuales y escénicos, y el uso de espacios no tradicionales para la presentación de sus espectáculos. Sus intereses artísticos están enfocados en generar estrategias contemporáneas para la creación escénica, y en evidenciar la co-presencia presente entre artistas y audiencia. La dinámica de su trabajo hace uso de la biografía y el registro del cotidiano como material artístico, entregándole a la intimidad escénica una doble calidad temporal. Los conceptos por los cuales ha transitado son el de extranjería, hogar, multitemporalidad, familia y ciclos vitales; sus principios son trabajar siempre en tiempo presente desde la constante búsqueda de un diálogo vivo entre artista, realidad cotidiana y audiencia.

Sergio Valenzuela: GIF – Gender interface with Felipe (Rivas) por Sergio Valenzuela Valdés.
G.I.F es una acción basada en el plagio y reapropiación de la creación del artista y activista Felipe Rivas. El proceso y resultado se articula a partir de la inoperabilidad de las nuevas ideas y de la reconstrucción de ideas ya hechas para su reciclaje y rediseño. En este caso, se toman los video- performances de Felipe Rivas como muestras, para su reutilización con el objetivo de encontrar nuevas combinatorias rídiculas y superficiales que puedan lograr un sentido en el contexto curatorial de PSI (Performance Studies International ) en la biblioteca del GAM, resignificándolo, apropiándose de su autoría, y autonomía artísitica – corporal.

Licenciado en Artes y Diseñador Teatral Profesional de la U. De Chile. Director, coreógrafo, dramaturgo y artista de performance. Diseñador del stand Chile en PQ’03, Cuadrienal de Praga. Ganador del Concurso Nacional de dramaturgia 2005. Organizador desde el 2009 del encuentro transdisciplinario ACT0, con 4 versiones y director del festival FIDET, Festival Internacional de artes escénicas y transdisciplina 2012. Ha publicado artículos y ensayos sobre arte de acción y transdisciplina. Actualmente docente de la de la U. Mayor, UNIACC y Arcos. http://www.afecto.cl

Felipe Rivas: Q.ueeR.ivas code
Q.ueeR.ivas code se constituye como una relación de constantes desplazamientos e interferencias entre la pintura (representación pictórica), el video, la performace y la mediación tecnológica. Surge a partir de un proceso de investigación donde se generaron códigos qr (imagen bidimensional que codifica información) enlazados a video-performances de Felipe Rivas colgados en la plataforma de Vimeo. Dichos códigos han sido sometidos –por el mismo autor- a un proceso pictórico, siendo transformados en pinturas (acrílico sobre tela) que pueden ser escaneadas con un celular, direccionando a los videos. El ejercicio planteó una tensión irresuelta entre la autonomía de la obra pictórica (el aquí y ahora de la obra de arte), con lo que esa imagen pintada codifica: un más allá de la pintura, expresado por el video de performance colgado en una plataforma de Internet, y la posición del espectador. Las obras pictóricas (códigos qr que enlazan a video-performances), serán parte de una intervención performática realizada in situ, problematizando la idea de contemplación, junto con los límites entre obras de diferentes soportes: pictórica, performática y audiovisual.

Es artista visual, teórico y activista de la Disidencia Sexual chileno. En 2002, funda la CUDS (Coordinadora Universitaria por la Disidencia Sexual). Dirigió la revista de estudios queer  “Torcida”, en 2005. Ha desarrollado una producción de obra artística multidisciplinar (pintura, video, performance) explorando temas de identidad, representación, tecnología, pornografía, etc. Ha participado en muestras colectivas en Chile, Argentina, España y Francia. Además ha realizado una producción crítica sobre temas de feminismo, teoría queer y postmarxismo. Ha publicado ensayos en: Revista de Crítica Cultural (Chile), revista Ramona (Argentina), y en los libros “Biopolítica” (Ed. Ají de Pollo, Argentina), “Debates críticos en A. Latina” (U. Arcis, Chile), “Por un feminismo sin mujeres” (Ed. Territorios Sexuales, Chile), y “En Reversa” (CECU Ed.). Actualmente participa en un proyecto de investigación sobre Arte Latinoamericano de los años 80, de la Red de Conceptualismos del Sur y el Museo Reina Sofía de Madrid.

Constanza Piña
Pensando el cuerpo como una superficie sobre la cual construir nuevas capas que permitan aumentar las experiencias de interacción y comunicación con el entorno, esta presentación abordará el proceso de investigación, diseño e implementación de una serie de dispositivos que, desde la escala intima del cuerpo, establecen otras maneras de experimentar y percibir el espacio a través del movimiento.

Estos dispositivos incorporan la idea de prótesis electrónicas como proyecciones que extienden las habilidades humanas y la materialidad textil como subversión al objeto tecnológico.

Constanza Piña  es Artista Visual e intérprete en Danza Contemporánea, candidata a Magíster en Artes Mediales en la Universidad de Chile. Su trabajo artístico e investigación se centra en la relación entre la tecnología y el cuerpo humano, desarrollando propuestas integran danza, performance, video, textiles, electrónica y wearable technology.

Constanza es co-directora del Laboratorio de Arte y Tecnología Chimbalab. Ha realizado numerosos workshop y charlas sobre experimentación electrónica y Cultura DIY. Forma parte de Sudamérica experimental, plataforma de intercambio y colaboración de proyectos independientes de Artes electrónicas en América del sur.

Francisca Sazie

Manuela Infante

Jorge Godoy

Lene Nettelbeck

Guillermo Parada + Tamara Perez: “sobre: gt2P”
Great things to people (gt2P) es un estudio chileno en un proceso continuo de investigación y experimentación en términos productivos, técnicos, funcionales y estéticos, siempre en busca de nuevas propuestas.

Su interés en la sistematización de fenómenos naturales, artificiales, geométricos o espaciales, a través de la identificación de sus variables o parámetros relevantes (geometría, tamaño, materialidad, etc.), permiten crear algoritmos generativos que pueden controlar la forma y la función.

Este enfoque en la sistematización del conocimiento permite acumular el aprendizaje de todos los proyectos en una “biblioteca” de ADN o reglas de diseño, al cual recurre en cada nuevo proyecto. Estos se reproducen cuantas veces sea necesario, en la escala que sea requerido, sea en arquitectura, mobiliario, objetos o intervenciones en espacio público, creando así metodologías estándar para soluciones no estándar.

De esta manera aparece el concepto de digital crafting, fundamentado en la implementación de metodologías digitales de diseño y en la experiencia y el know how de artesanos chilenos, quienes alimentan y contribuyen a cualificar cada uno de los “algoritmos generativos” o ADN. A través de este concepto gt2P ha logrado trasmitir su capacidad para investigar, explorar y experimentar con nuevos materiales y procesos, y de integrar las tecnologías CAD/CAM con conocimientos tradicionales.

Arquitectos especialistas en medios digitales asociados a la producción arquitectónica, tienen estudios de Magíster en arquitectura de la PUC. Guillermo se ha desempeñado como académico en la Facultades de Arquitectura y Diseño de las universidades de Chile, Católica, UNIACC y Finis Terrae. Sus conocimientos y experiencia en diseño paramétrico y fabricación digital han merecido el reconocimiento del Digital Design Fabrication Group de MIT y la publicación en la Bienal de Arquitectura Beijing año 2009. Son socios fundadores de gt2P.

Juan Pablo Corvalán

Carolina Pino Ahumada
Artista visual de la Universidad de Chile, fundadora del colectivo Duplo! Y Pop-Up! ambos con foco en  el uso de tecnologías interactivas, impulsora del concurso Arte & Tecnologías Digitales Matilde Pérez, en Telefónica.

Master del Interactive Telecommunications Program, Tisch School of the Arts, New York University, y estudios de postgrado en la  Pontificia Universidad Católica de Chile y en la Facultad de Arte y Arquitectura de la Universidad de Columbia.

Actualmente es académico del Design School de Universidad Adolfo Ibáñez.

Ha obtenido diversos premios y becas, entre los cuales están Fondart, la beca Fulbright y la Tisch School of the Arts Scholarship de NYU.

Ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo en Chile, Milano Triennale, D.U.M.B.O. Arts Festival NYC,  entre otros lugares de Europa, América Latina, Estados Unidos y Asia.

Sarah Ashford
Es una artista de teatro internacional que llega a Chile vía Nueva Escocia, Florida, Nueva York, Dublín, Moscú, Inglaterra y Venezuela. Se dedica a utilizar la disciplina artística como una herramienta para estimular el diálogo a través de las fronteras sociales. Su experiencia en la vida la ha llevado a entender el teatro como una forma de comunicación universal, con la cual podemos establecer contacto con distintas culturas y maneras de ver el mundo.

Luis Alfredo Santibañez

Cristian Ibaceta

Sebastian Bianchi



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